ArtWorld：能先谈谈你在中央美术学院数码媒体工作室学习时的状况吗？
田晓磊：当时学的东西比较杂，包括动画、拍摄、交互、网页、基础的平面设计，等等。所有这些都跟数字媒体有关，其实就是用软件来做设计。当时有很多教课的老师都给我们提供了信息上的接触，其中有很多老师都是从国外过来的，老师也会邀请一些新媒体艺术家来上课。数码媒体工作室当时的设备挺强，包括渲染农场、很先进的工作站都有。但我上学的时候还没有VR。VR在前年和去年很火，尽管它已经诞生了几十年，但一直由于硬件局限，没有得到深度开发，直到最近几年。

ArtWorld：你的VR创作是什么时候开始的？
田晓磊：我去年做了第一件VR作品。但我当时并不是要特地做一件VR作品。我最早是用三维软件做动画作品，但其实这些三维的东西都是VR的基础素材。因为做VR其实就是做一个三维游戏，游戏里的模型、动画、材质都是我这些片子里的素材。只要给这些素材编一个交互的逻辑，就能够构成VR游戏的基本框架了。所以，我在动画里找了一些感兴趣的点，与做AR互动的公司“深灵幻象”来合作开发。这个公司是通过朋友介绍认识的，他们也很感兴趣，觉得VR是一个很新颖的形式，会很有意思，就大家一起合作做一个作品出来。

ArtWorld：你刚才谈到了游戏，游戏美学也构成并极大地影响着整个社会的审美观念。你怎么看待游戏制作以及游戏审美和VR作品创作之间的关系？
田晓磊：很久以来，人类就有一种对互动的本能需求。人总是想要去尝试控制一个对象，或者看看它对你有什么反应。不管是什么时候，这是人的本能需求。游戏只不过是从这种互动中细分出来的一个领域。我的女儿现在2岁，她看见任何像屏幕的东西，都会想要用手滑一滑，看有没有什么反应，会不会出来什么东西；她看到任何按钮也都会想去摁一摁，因为她的好多玩具都是一摁就响或者一摁就亮。所以，游戏化是最亲切的体验方式。但VR艺术的收藏性或者技术性门槛或许还不是艺术的主流方式。制作VR游戏需要很高的技术门槛，很多艺术家无法接触到。另外，假设在一个美术馆中，视频作品可以被很多观众同时观看，但观众的观看是被动单向的。VR游戏通常是可互动的，虽然每次只能单人体验，但未来技术可以解决这个问题。游戏已经成了艺术收藏的一个门类，虽然收藏市场很小。VR艺术只是游戏艺术的一种，它也会被慢慢纳入到展览当中来，成为一种新的艺术形式。

ArtWorld：通常一件VR作品的构成是怎样的？
田晓磊：其实原理很简单，实际上是将手机作为显示屏，装一个可以播放VR左右分屏的文件的APP。观众需要戴一个VR头盔，头盔有两个镜片，左眼看左边，右眼看右边，左眼和右眼看的是不同的影片通道。在观看的时候，两个片子同时播放，你眼睛的错觉会形成立体感，左眼和右眼形成视差。VR眼镜通常有一个陀螺仪，当你的脑袋向左转或向右转的时候，它让图像也随着脑袋的角度转，形成一个360度的场景，随着上下左右的移动产生变化。这实际上就是在欺骗身体，欺骗身体的认知。但现在这种对身体的欺骗技术还处于初级阶段，因为人的身体并不会完全融入其中。和VR眼镜比起来，HTC的头盔采用的是激光定位，陀螺仪只能原地定位。通过激光定位，观众可以在空间里面自由行走。戴着眼镜，你只能原地坐着或者站着来体验。但是激光定位让观众可以在一个平面上行走来体验。VR眼镜主要是测用户的运动方向，激光定位主要是定位三维空间。电脑能够生成一套程序，在这套程序里观众可以通过手柄与虚拟影像互动，手柄可以在体验中变成枪、拳头或者任何工具。所以，VR中就不止有观看的体验，还有互动的体验。现在VR手套也开始出现，它甚至可以简单模拟触觉，就像人在梦中可以触摸、移动物体一样。

ArtWorld：做这样一些作品，是否要求艺术家要紧追科技的发明？
田晓磊：我只是大概了解，很多程序我也不会。就VR而言，我要做的是搭建场景，想好如何来做互动。它的效果、交互的技术会有合作的公司来处理。我一个人把将所有环节都弄通的话，效率会很低。而且这类作品大量涉及编程，我也做不到。艺术滞后于科技，并不超前。VR在商业界已经是挺土的东西了，但艺术圈反倒觉得它很时髦。

ArtWorld：就VR提供的体验而言，目前存在怎样的弊端和尚待解决的问题？
田晓磊：目前还没有解决的一个最根本的问题就是完全欺骗用户的身体。要完全骗过身体，还得增加嗅觉、失重感、身体的震动感、疼痛感等等，这些体验都没有得到解决。目前解决了的问题只有视觉、听觉、简单的触觉以及移动。这些问题的解决是和硬件技术的发展联系在一起的。VR近几年发展得很快，是得益于CPU以及显卡功能的升级，才能够实现那样的性能。VR的运行同时要渲染两个程序，这两个程序对性能的要求都很高，而且两者还要同步，这就对显卡配置的要求特别高。如果显卡和电脑机器质量更好的话，比如运行速度上升5—10倍的话，就可能让屏幕的分辨率、其他传感器的灵敏度一起增长。

另外，目前的VR技术还不够成熟。当它更成熟的时候，VR可以实现多人同时在线互的。现在观众只能一个人在一个空间里去体验，这有点孤独。如果在这个空间里，观众还能发现有其他人的同时在场，那就创造了另一种体验模式。你或许认识另一个人，你也可以和他社交，可以自我设定形象。现在的整个模式我觉得有点孤独，但是在游戏领域，多人互动的问题已经解决了。游戏最早时都是单机游戏，但现在的游戏都是互联网游戏，大家就会愿意沉迷其中。

此外，用户的身体层面或许也会有一些变化，这也不能说是弊端。如果VR是未来每个人的标配，那么每个人的身体都会适应这个机器，产生一点点基因的变化。如果一个人一生中的很长时间都要戴着VR头盔，那为什么不在一开始就发生这样一种基因的变化呢？人是处于演化之中的，要适应环境，也许随着科技的发展，我们可以直接在一出生时就给视网膜加个镜片之类的。这可能慢慢地会让人变成一种人和机器之间的过渡，变成另外一种新生命体。人类演化几千代就会在身体上发生大的变化。科技和人类的关系是互训的，互相依靠和共生，会创生一个新器官或者一个插件。假设未来，在人出生的时候也许就可以选择扩展插件来延展肉体的功能，当然这也会牺牲原来肉体的功能。科技与人的杂交、结合诞生出一些新的东西，这是我所感兴趣的。但是，这个塔建得越来越高，不确定性也越大。

ArtWorld：VR作品在布展方面对空间和艺术家有怎样的要求？
田晓磊：最基本的空间要求是一个3m×3m的场地，激光定位设在两边，电脑装备在一边，悬挂一幅投影幕布。这是最简单的VR作品的展示。它也可以变化成黑屋子，或者是搭建成另外样子的空间。最基本的要求就是有足够面积的空间，展览方式并不是特别苛刻。空间面积最大需求也就是4.5m×4.5m，因为太大的话，激光定位距离太远会精度不够，出现不准确、丢帧、功能下降等情况。因为观众并不知道怎么玩，还需要美术馆的工作人员告诉观众一些基本的设备功能，比如如何用手柄的按钮，是要射击还是躲避等等。

ArtWorld：就看展览而言，VR看展是否会导致展览空间的取消？
田晓磊：一部分展览确实是不需要观众去现场看，而且VR实现的效果会更好，观众的观看也更自由。此外VR看展还会造成一些超现实的效果，比如空间会变成一个平面空间。通常，在画廊里你需要贴着地面在空间里行走，但VR看展的时候，你甚至可以漂浮起来，可以像一只鸟一样在一个三维空间里通过各个角度来观看作品。作品也可以不挂在墙面上，空间可以变得极具想象力，作品可以在里面自由搭建。展览模式也可以通过VR变得更有意思，可以让观展方式变得更像打游戏，观众需要去寻找特定对象；或者变得像密室逃脱一样，可以把艺术家和观众设计到一起，大家一起在这个空间里玩。这会形成另外一种作品感的展览方式。对传统的作品而言，VR提供的更多的是一种互联网模式——足不出户，体验艺术。如果有你感兴趣的作品，或者是需要购买的产品，可以去现场再看看实物。VR的内容以后可能会变成免费模式，只不过在流量入口上需要用户有花费。以后的美术馆或许也可以提供一个APP，观众每年支付一些费用，可以通过VR设备和接口在家里完成观展。